‚Oh Bruder, wo bist du?‘  at 20: Wie der Soundtrack einen Roots-Music-Mythos verstärkte

‚Oh Bruder, wo bist du?‘ at 20: Wie der Soundtrack einen Roots-Music-Mythos verstärkte

Als Produzent T Bone Burnetts Soundtrack zum Film O Brother, Where Art Thou? diesen Monat vor 20 Jahren veröffentlicht wurde, löste es einen Roots-Music-Boom aus. Viele Künstler auf dem Album – von den neuen Traditionalisten Gillian Welch und Alison Krauss bis hin zu vergangenen Legenden wie Ralph Stanley – erlebten einen Karriereschub, während Pauschalreisen mit altmodischer Musik wie „Down From the Mountain“ im ganzen Land ausverkauft waren.

Am wichtigsten war der unwahrscheinliche Erfolg des Soundtracks, der Country-Blues aus der Jimmie-Rodgers-Ära („In the Jailhouse Now“) neben krassen Berg-Spirituals („O Death“) und Geigenmelodien aus Mississippi („Indian War Whoop“) platzierte Etablieren Sie ein kommerzielles Publikum für Roots-orientierte Musik – ein Publikum, das bestand, sich entwickelte und wuchs, als sich Americana zu einem Genre verfestigte.

Aber der Soundtrack von O Brother verstärkte auch Mythen und Missverständnisse rund um die Roots-Musik, indem er seine Grenzen gegen alles verhärtete, was zu zeitgenössisch klang, oder es wagte, gegen die Idee anzukämpfen, dass primitive Klänge gleichbedeutend mit Authentizität seien. Unter diesem Rahmen wurden Künstler, die sich weigerten, innerhalb dieser Linien zu malen, als weniger „authentisch“ angesehen als ihre Kollegen und erhielten nicht die gleiche kommerzielle O Brother-Beule.

Chris Thomas King war die meiste Zeit seiner Karriere vor dieser Idee des ländlichen Primitivismus davongelaufen, als die Coen-Brüder ihn in die Rolle des O Brother des Country-Blues-Pickers Tommy Johnson besetzten. Als Sohn des Swamp-Blues-Musikers Tabby Thomas aus den sechziger Jahren verbrachte King sein Leben damit, mit der „Blues Mafia“ zusammenzustoßen, seinem Namen für die Gruppe überwiegend weißer kultureller Schiedsrichter in der Blues-Community, die darauf bestanden, dass King – ein Singer-Songwriter, der daran interessiert war, die Blues mit Hip-Hop und elektronischer Musik – sollte ein volkstümlicher Volksmusiker bleiben.

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Es war „dieses Märchen, das sie darüber geschaffen hatten, was der Blues sein sollte“, sagt King über seine künstlerischen Kämpfe in den Achtzigern und Neunzigern, „eine Art primitiver Ausdruck eines primitiven Volkes“.

Als er zum Vorsprechen für Joel und Ethan Coens Film über flüchtige Gefangene gerufen wurde, die sich als beliebte Gesangsgruppe ausgeben, war King bereit für eine Veränderung. „Ich habe mir überlegt, dass ich versuchen werde, meinen Weg zum Film zu finden, weil ich von diesem Blues-Genre frustriert bin“, sagt er dem Rolling Stone. King betrachtete die Rolle von Tommy als eine befreiende Möglichkeit, einen musikalischen Charakter zu bewohnen, der wenig bis gar nichts mit seiner eigenen künstlerischen Identität gemein hatte. Am Tag bevor King am Set ankam, schnitt er seine Dreadlocks ab.

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Aber Kings Rolle in dem Film manifestierte schließlich alles, was der Künstler zu vermeiden versucht hatte. Er wurde bestenfalls sofort für einen Bluesman gehalten, schlimmstenfalls für Tommy Johnson. „Als Künstler habe ich versucht sicherzustellen, dass diese Figur und ich nicht dieselbe Person sind“, sagt King. „Die meisten Leute haben das nicht verstanden.“

Die Geschichte des Einflusses von O Brother auf die Roots-Musik ist nicht einfach die Geschichte eines Urknallmoments, der Americana hervorbrachte, obwohl es das sicherlich war. Es ist auch eine Geschichte darüber, wie die verspielten Archivkollektionen verschiedener Stile und Genres der Coen Brothers und T Bone Burnett zu einer hybriden Musikgemeinschaft zusammengefügt wurden, die – wenn auch vage – ländliche Authentizität repräsentieren soll. Es ist eine Geschichte über die Verwechslung von Tommy Johnson mit Chris Thomas King.

Ein Großteil der letzten 20 Jahre kommerzialisierter Roots-Musik lässt sich auf den durchschlagenden Erfolg von Burnetts Soundtrack zurückführen, der achtmal mit Platin ausgezeichnet wurde und Outkast, U2, India.Arie und Bob Dylan um den Grammy Award 2002 für Album of schlug das Jahr. Das Album prägte die musikalischen Richtungen so unterschiedlicher Künstler wie Mumford & Sons, die die Platte als wichtigsten Einfluss nannten, und DJ Avicii, der Dan Tyminski, den Sänger des Soundtracks „Man of Constant Sorrow“, für seine globalen Charts 2013 gewinnen konnte -Topper „Hey Bruder.“ Sogar Bruce Springsteen war hingerissen, als er Alison Krauss‘ eindringliches „Down to the River to Pray“ als Begleitmusik für seine Tour übernahm.

Der Bluegrass-Musiker Krauss war einer von mehreren Traditionalisten der nächsten Generation, deren Profil sich im Kielwasser des Soundtracks erhob. Musikbegeisterte alter Zeiten, die zuvor als Außenseiter galten, wie Gillian Welch, hatten plötzlich ein Massenpublikum. Welchs Karriere begann, als sie 2001 ihr bahnbrechendes Opus Time (The Revelator) veröffentlichte, direkt nach dem Erfolg von O Brother.

„O Brother … ist im Grunde genommen meine Plattensammlung, die in einen Soundtrack verwandelt wurde“, sagt Welch, der zwei Auftritte zum Album beigesteuert hat. „Nach ‚O Brother‘ wurde meine seltsame, verrückte musikalische Existenz zu diesem kleinen Nebenfluss, der in den Mainstream einfloss. Und im Laufe von ein paar Jahren und jetzt, ein paar Jahrzehnten, ist es nicht wirklich verschwunden. Ich bin nicht mehr so ​​ein Freak. Ich habe mich nicht wirklich verändert. David [Rawlings] und ich, wir sitzen immer noch auf dem Sofa und singen Songs von Stanley Brothers. Das ist was wir tun! Aber die Welt um uns herum hat sich irgendwie verändert.“

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Lazy geladenes Bild

John Turturro, George Clooney, Chris Thomas King und Tim Blake Nelson in „O Bruder, wo bist du?“ ©Buena Vista Pictures/Everett Collection

Der Einfluss des Films hatte ernsthafte Beine. Noch 2004, volle vier Jahre nach der Veröffentlichung des Films und des Soundtracks, zogen Konzerttourneen wie die Great High Mountain Tour noch direkt vom alten O Brother-Musiktrend ab und bereisten das Land mit Roots-Acts wie Union Station, Sierra und Cody Hull und Olabelle. Zu dieser Zeit vergrößerten auch gleichgesinnte Bands wie die Avett Brothers und die Lumineers ihr Publikum, und der langfristige Erfolg des Soundtracks erweiterte die kommerziellen Möglichkeiten der Americana-Musik.

„Oh Bruder öffnete diese Tür, um Musik ganz links von der Mitte zu bewegen. Wenn es sich um Roots-, Bluegrass-, Streicher- oder akustische Volksmusik handelt, hat es sie sehr schnell in den Mainstream gebracht“, sagte Scott Robinson, CEO des Nashville-Labels Dualtone (Heimat der Lumineers) im Oktober während eines 20-jährigen Jubiläums von O Brother, Where Art Du? virtuelle Veranstaltung beim Nashville Film Festival. „Es war nicht wirklich Platz dafür gewesen, bis O Brother irgendwie die Tür öffnete.“

Die Tür blieb King nicht lange offen. Als einziger zeitgenössischer Farbkünstler auf dem Soundtrack (die legendäre Gospelgruppe Fairfield Four und die Gesangsgruppe der Mississippi-Insassen James Carter & the Prisoners traten ebenfalls auf) war King auch der einzige Musiker, dem eine hochkarätige Schauspielrolle zuteil wurde im Film. Kurzfristig sei seine Karriere „wie eine gottverdammte Rakete“ abgegangen, sagt er. Er fing an, auf Flughäfen erkannt zu werden. Aber im Gegensatz zu Welch und Krauss, die ihren Schwung beibehielten, sah sich King mehreren Jahren der Frustration und Fehlstarts gegenüber, als der unmittelbare Ansturm von O Brother und seiner Down From the Mountain Tour nachließ.

Er ergatterte 2004 eine weitere Schauspielrolle, in Ray Charles Biopic Ray, veröffentlichte aber am Ende selbst Alben wie Dirty South Hip-Hop Blues aus dem Jahr 2002, verwirrt darüber, dass er nicht die Unterstützung eines Labels gewinnen konnte. „Du bist die Nummer eins an den Kinokassen, die Nummer eins in den Billboard-Charts, du hast praktisch zehn Millionen Alben verkauft, und es gibt da draußen keine Plattenfirma, die einen Deal mit dir machen könnte? Niemand? Irgendjemand?“ er sagt. „Mit O Brother ist es nicht so, dass ich nicht an Dynamik und einem ganz neuen Publikum gewonnen hätte, denn das habe ich getan. Aber ich habe nicht die Unterstützung der Industrie bekommen. Was auch immer ich bekommen habe, es war allein.“

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Im Kern von Kings Post-O Brother-Funk stand das gleiche Problem, das er früher in seiner Karriere zu vermeiden versucht hatte: Der Singer-Songwriter wollte Chris Thomas King sein, der das Genre veränderte, aber die Branche verlangte nach jemandem, der so traditionell war wie Tommy Johnson. Der Film belastete ihn nur noch mehr mit den Erwartungen einer imaginierten ländlichen Authentizität, die seine eigenen künstlerischen Ambitionen einschränkte und diktierte.

Dieser irrtümliche Impuls, amerikanische Roots-Musik als primitiven Folk-Ausdruck zu positionieren, hat farbige Künstler und ihre Errungenschaften schon immer weit mehr beeinflusst, herabgesetzt und in eine Schublade gesteckt als ihre weißen Kollegen. Es hilft zu erklären, wie Robert Johnson, der mehrere Genres beherrscht, als ein vom Teufel verfluchter Blues-Gelehrter destilliert und mythologisiert wurde; warum Booker T. Jones, ein klassisch ausgebildeter Pianist mit tiefer Musiktheorie, als Kurzform für die raue Grobheit des Memphis R&B diente; und warum Alabama Shakes, eine durch und durch zeitgenössische Band mit einer schwarzen Sängerin, zu Beginn ihrer Karriere als Hinterwäldler-Soul-Puristen befördert wurden.

Diese wiederkehrenden Mythen von Authentizität und musikalischem Primitivismus sind wohl der nachhaltigste Einfluss von O Brother auf die Americana-Musik. Der Soundtrack wurde als reiner ländlicher Ausdruck verpackt – „bona fide“ in den Worten von Holly Hunters Figur Penny. Es ist ironisch, wenn man die Handlung des Films betrachtet: wie die Pop-Interpretation des Folk-Standards „Man of Constant Sorrow“ durch die Soggy Bottom Boys zu einem kommerziellen Hit wird.

„O Brother hängt von den Liedern einiger wunderbarer kommerzieller Künstler ab, die Karrieren in Nashville, Los Angeles und New York aufgebaut haben, indem sie über Themen mit großer persönlicher Relevanz im Hier und Jetzt singen“, sagt Benjamin Filene, Autor des Buches Romancing the Folk, schrieb kurz nach der Veröffentlichung des Films. „Doch Down From the Mountain ist der Titel des Live-Konzertalbums, das auf den Soundtrack folgte, was impliziert, dass die kommerziellen Mainstream-Künstler auf dem Album gerade aus den Hügeln hinunter nach …

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